Albert Bonet destaca por sus complejas e inquietantes composiciones, reavivando el estilo barroco del XVII-XVIII caracteristico por sus pinturas recargadas y ciertamente caprichosas, una contraposición al clasicismo que esconde en su pintura una critica a la sociedad actual, tanto en el caso del XVII como hoy en Bonet. La disrupción, el inconformismo y la reivindicación están presentes de forma más o menos explícita en la obra de Bonet, dentro de la cual podemos discernir dos vertientes que veremos en nuestra exposición. Por un lado, se encuentran los Retratos sin nombre, con fondos más neutros dando protagonismo al personaje y sus sensaciones; por otro, nos encontramos con grandes y complejas composiciones donde diferentes elementos y paisajes reflexionan y cuestionan la realidad mediante la rotura de los esquemas establecidos, como veremos en la obra principal de esta exposición, donde una geisha sostiene un bote de lejia mirando fijamente a una sociedad desteñida . .

Miguel Ángel Belinchon internacionalmente conocido por su estilo neocubista, tomado como no podía ser de otra manera del gran representante de este movimiento, Pablo Picasso. Asi, Belin continúa buscando a través de su obra, en grandes muros y pequeños formatos, diferentes lenguajes en el marco de las artes plásticas, creando obras inspiradas en la fragmentación caracteristica del cubismo. Estas obras descomponen y reconfiguran la realidad en formas geométricas y planos superpuestos, invitando al espectador a descubrir nuevas perspectivas y conexiones. Este artista investiga esta fragmentación con diferentes materiales, cartulinas de colores que aportan una estructura firme y vibrante asi como papeles y pintura en spray, pincel o cera que añaden capas de profundidad y complejidad. El uso de diferentes materiales y técnicas, como los lápices de colores para destacar detalles y la pintura para integrar y armonizar los elementos, refuerza el carácter experimental y multifacético de la serie que veremos en esta exposición, una nueva vertiente aún por descubrir de este gran artista. .

Nora Beltrán, conocida artisticamente como Belvei Nora, es una creadora multidisciplinaria radicada en Barcelona, España. Su trabajo se manifiesta en dos grandes áreas: Tatuaje: Nora se destaca en el mundo del tatuaje, ejerciendo su arte en el estudio Fatcat Tattoo BCN. A través de su cuenta de Instagram @norabelvei, comparte su estilo y las piezas que realiza, mostrando una aproximación única y personal que la ha posicionado en la escena local. Pintura: Además de su faceta como tatuadora, Nora explora el mundo de la pintura a través de su cuenta @belveinora. En este espacio, exhibe su creatividad en otros formatos, experimentando con diversas técnicas y estilos que reflejan su pasión y originalidad. Con una presencia activa en redes sociales, Belvei Nora combina su visión artística con la innovación, marcando tendencia tanto en el ámbito del tatuaje como en el de la pintura. .

Es un colectivo artistico fundado a finales de 2001 en Madrid, por los licenciados en Bellas Artes Pablo Ferreiro y Juan Jaume, el artista plástico Rubén Martin de Lucas, el ilustrador Pablo Purón y el arquitecto Javier Serrano, estando 95 activos en la actualidad Pablo Ferreiro, Pablo Purón y Javier Serrano.El término «boa mistura» en portugués quiere decir «buena mezcla», una alusión a la relación entre sus componentes. En estos más de 20 años, Boa Mistura ha realizado proyectos en más de 40 paises por todo el mundo, asumiendo su obra como un elemento de transformación social con el que buscan crear o modificar las relaciones de las personas con el lugar que habitan. Por ello, Boa Mistura ha colaborado con organizaciones como la ONU, Amnistia Internacional, Greenpeace, Cruz Roja o Acción contra el hambre entre otros, realizando sus proyectos allá donde sea necesario. Para profundizar en su obra y filosofía recomendamos el docu Crossroads sobre el viaje circular de Boa Mistura. .

«El arte urbano nace en las calles y eso mismo es lo que refleja la obra, utiliza la ciudad como fuente de inspiración, reflejando una faceta de la sociedad decadente de la que todos somos participes de una manera u otra, aunque nos esforcemos en negarlo.» .

En los últimos años Daniel Vera ha combinado la experimentación en el campo de la abstracción y la pintura tradicional con la profesión de muralista. A finales del año 2020 comenzó a investigar la fusión de la pintura abstracta con paisajes generados por inteligencia artificial, como vemos en la exposición, obras en las que se fusionan composiciones geométricas con paisajes aparentemente reconocibles. El uso de la IA nace de la necesidad de encontrar nuevas referencias visuales para representarlas a posteriori mediante técnicas tradicionales de expresión. Los portales o elementos intrusos de estas representaciones generan reminiscencias a la ciencia ficción, el brutalismo, ambientaciones cinematográficas o escenarios de videojuegos que son fruto de las referencias generacionales del artista. La serie paisajes invadidos plantea la aparición de un elemento intruso en la imagen que aporta un color adicional e interactúa con los elementos del lugar representado, todos ellos muestran una apertura de color en la parte central de las composiciones generando dudas acerca de su cometido: ¿Son puertas? ¿Son ventanas? ¿Son entradas o son salidas? Habitamos un espacio en el que cada vez es más complicado vislumbrar los límites entre lo natural o lo artificial, entre lo virtual o lo real, entre la apariencia o la verdad y precisamente Daniel intenta mostrar una reflexión acerca de esta relación de contrarios. .

Nacida en Huesca en 1996, actualmente vive y trabaja entre Madrid y Zaragoza. Estudió el bachillerato artístico en la Escuela de Arte de Huesca (2013) y el Grado Superior en Ilustración en la Escuela de Arte de Zaragoza (2016). Además, ha seguido su formación en los estudios de Fernando Sanagustín (Huesca, 2011-2018) y Diego Catalán en Madrid (2022-Presente). Estas escuelas le han dejado una gran impronta haciendo de Danielle una artista especializada en el realismo figurativo. El arte es para Danielle su lenguaje vital y una necesidad imperiosa de expresión. Un medio para liberar emociones y pensamientos de una manera única y auténtica. La obra de Danielle Jon se basa en experiencias personales, explorando temas como el dolor, el trauma y la disociación. Para la artista, mostrar estas emociones resulta difícil, por lo que elige dibujar personajes desnudos como una forma de expresar su propia vulnerabilidad y abrirse al espectador. Una característica de su trabajo es la combinación de dos estilos que contrastan: el realismo figurativo, con su precisión detallada, y elementos del graffiti, más espontáneos y libres. Esta mezcla refleja la tensión entre lo ordenado y lo caótico que acompaña a las emociones. Trabaja principalmente con lápiz sobre papel de algodón tensado en bastidores, una técnica que le permite lograr un equilibrio entre la delicadeza del material y la fuerza de sus trazos. Danielle busca que quienes vean sus obras puedan identificarse según sus propias vivencias, conectando con los sentimientos representados y dándoles un significado personal. .

Demasiada luz es como demasiada sombra, no deja ver. En palabras del artista: «Este viaje a través de la luz comenzó durante mi estancia en Francia, cuando volvía a casa del estudio, se apagaban las farolas y lo único que iluminaba el camino eran los faros del coche, lo que explica esa sensación de movimiento en las obras. Durante esta época fue cuando empecé a ser más consciente de esta fijación por la interpretación de la luz. El estudio de la luz se convierte casi en una obsesión, observando una misma imagen bajo diferentes potencias y temperaturas de luz llegó a la conclusión que según el tipo de luz que incide, ofrece una realidad diferente. Estas realidades, dependiendo de las diferentes experiencias de las personas, pueden transmitir sensaciones y sentimientos completamente distintos. La figura humana aparece en mi obra en diferentes situaciones sociales en las que el rostro se desdibuja como signo de identidad física e individual para dejar paso a la identidad colectiva. Son escenas de lo cotidiano, de la vida misma al fin y al cabo. De esta manera en el contexto en el que se desenvuelven o representan las figuras trato que el espectador pueda sentirse identificado gracias a sus propias experiencias y, por qué no, su propia identidad colectiva, generando, de esta manera, un diálogo abierto y personal entre la obra y el espectador». .

Estudió Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid, donde obtuvo un diploma en dibujo, seleccionando una de sus obras para el Gabinete de la Facultad. Desde entonces, esta artista ha ganado varios premios de pintura en diferentes localidades, destacando por su destreza para el hiperrealismo. Desde pequeña, cuenta, siempre ha querido ser pintora, convirtiéndo esto en una necesidad, no habiendo un solo día en el que no dibuje. Actualmente desarrolla el «Proyecto Basura», al que pertenecen estas obras, algo que comenzó en la universidad y que se extiende hasta hoy. La intención de este proyecto consiste en ver desde otro punto de vista aquellos objetos que están condenados al desuso, objetos de la vida cotidiana que pasan desapercibidos, así como su belleza. «Basura es lo que no tiene lugar, lo que no está en su sitio y, por tanto, lo que hay que trasladar a otro sitio con la esperanza de que allí pueda desaparecer como basura», cuenta la artista, que convierte esa basura en objeto de contemplación con su pintura, transformando su connotación negativa. Nietzsche decía que «los desechos, los escombros, los desperdicios no son algo que haya que condenar en sí: son una consecuencia necesaria de la vida. ¿Y si lo que llamamos basura no lo fuera en realidad? Entonces no tendríamos que preocuparnos porque nos devorase, no nos sentiríamos asfixiados por los desperdicios si dejásemos de experimentarlos como desperdicios y los viviéramos como un nuevo paisaje urbano». .

Es una artista argentina nacida y crecida en Villa Tessei, cerca de Buenos Aires. Estudió Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires, donde comienza a desarrollar su carrera artística con ilustraciones y otras producciones. Comienza a pintar como la gran mayoría en pequeñas hojas de papel, pasando al lienzo y el uso del acrílico pero con el paso del tiempo estas ideas se trasladan a las calles. Comienza interviniendo las fachadas y cierres mecánicos de los comercios de su barrio con el spray como material fundamental, buscando capturar las sensaciones de la vida y la naturaleza. Desde 2013 la artista ha invadido con sus murales espacios públicos y privados, convirtiéndose en todo un referente en el mundo del mural. Fío Silva ha sido invitada a pintar en infinidad de países como Uruguay, Perú, Bolivia, Ecuador, Aruba, Costa Rica, Estados Unidos, Inglaterra, Holanda, Portugal, Francia,Italia, Grecia, Serbia, Croacia, Austria, Alemania, Vietnam, Albania… Y por supuesto España. Fascinada por la naturaleza y la vida que habita en ella, Fío destaca por sus coloridos murales habitualmente protagonizados por animales que conviven con el color, entrelazándose con este como una muestra del movimiento incesante de la naturaleza..

Mujer latinoamericana, artista visual, muralista, docente y madre, así se define Florencia Durán. La obra de Florencia está casi siempre protagonizada por mujeres, una forma de conocimiento a través de la otredad, una búsqueda de conexión y comunidad. Desde el 2011 comenzó a experimentar con la pintura mural en espacios públicos dentro de Montevideo. Formó el dúo Colectivo Licuado Junto a Camilo Núñez, lo que en el año 2013 les llevó a recorrer América del Sur pintando e intercambiando experiencias con artistas de diferentes países como Argentina, Chile, Bolivia y Perú. A partir de entonces dedican seis meses al año para viajar y pintar por Europa, América del Sur, América del Norte y Asia, habiendo participado en numerosos festivales de arte urbano en más de 15 países. Fueron parte de «The Chrystal Ship» (Bélgica), «Asalto» (España), «Blind walls gallery» (Holanda), «St. arte India» (India), «Galeria Lira» (Chile), siendo de los festivales más reconocidos a nivel mundial, entre muchos otros. .

Explora la interacción entre lo orgánico y lo abstracto, utilizando colores vibrantes en tonos fucsias y azules para crear contrastes intensos y efectos tridimensionales. Su obra fusiona lo figurativo con lo abstracto, jugando con formas anatómicas y estructuras que se distorsionan o fluyen en el espacio, generando una sensación de movimiento y transformación constante. Sus personajes suelen aparecer en estados de introspección, como vemos en esta ocasión, flotando en un mar de incertidumbre. El artista busca crear un diálogo visual entre la realidad y lo digital, lo tangible y lo imaginario, utilizando una estética que evoca lo futurista y la ciencia ficción. Su trabajo invita al espectador a sumergirse en atmósferas etéreas y emocionales, donde cada pieza ofrece una experiencia visual única en constante evolución. En este caso, el artista ha recurrido a láminas de aluminio como soporte, lo que aporta una superficie industrial y perfectamente lisa, generando un contraste con los acabados más orgánicos de otras piezas, realizadas en lienzo o madera. El uso de este material refleja un interés en lo contemporáneo y lo industrial, dotando a la obra de una estética moderna y pulida, que se fusiona perfectamente con la paleta cromática y los juegos de luz y sombra que caracterizan su trabajo. Esta diversidad en los soportes no solo responde a una inquietud técnica, sino que también potencia el discurso artístico, permitiendo que cada obra adquiera una presencia y un carácter único dentro de su conjunto creativo. .

Paulino Borreguero García aka Fumo Miles, nacido en Madrid, es un artista multidisciplinar independiente, con más de una década de experiencia en el arte urbano, la ilustración digital y el mundo del tatuaje. Actualmente centrado en su faceta muralista, amante del spray y del retrato, su obra presenta una obsesión por el color, explicando las formas, volúmenes, luces y sombras de una manera única, orgánica, impulsada por la exploración de la técnica y el amor al arte en sí mismo. Siempre en constante aprendizaje, sin límites, nómada, encontrándose el sentido a la vida en cualquier expresión artística y orgulloso de transmitir buena energía con su obra. .

Pintor y muralista internacional nacido en Buenos Aires y actualmente con base en Berlín. Guido enfoca su obra en la condición humana, esforzándose por crear una tensión y equilibrio entre técnicas crudas y expresivas y otras concretas y gráficas. Su estilo mezcla retratos de realidad social con lenguajes simbólicos, expresando tanto culturas locales como exploraciones personales. Podemos encontrar murales de este artista en Ciudad de México, Zagreb, Palermo o Sacramento, o haber visto obra suya en exposiciones en Hamburgo, Siena, Berlín o Madrid. Dos cuestiones principales podrían resumir el statement de Guido: ¿Que forma tienen los pensamientos? ¿Qué volumen ocupa la memoria? .

Esta joven artista vive entre Madrid y Ciudad de México, donde actualmente se encuentra de residencia artística. Su inquietud por la pintura crece a la velocidad de su fama, encontrando en esta práctica el descanso que no encuentra en la cama. Una artista a la que nunca le gusto mucho dormir, descubre en sus seres queridos haciendo lo que ella no puede una forma de sanar la herida de la confianza, de la vulnerabilidad. Jimm encuentra en estas escenas de descanso y relajo la paz que no le da su cama, ofreciendo al espectador el mismo cielo de almohadas y nubes de lo que siempre ha sido un universo secreto y privado, ese lugar en el que nos quitamos toda careta para ser únicamente seres durmientes, inertes, inofensivos y vulnerables. .

Pintura y muralista nacida en Hospitalet de Llobregat, Barcelona. Irene es conocida por sus coloristas pinturas y murales, en las que explora la riqueza de la naturaleza y los paisajes, reinventando los bodegones clásicos a base de introducir elementos de la cultura popular, como en este caso es Homer o esa Betty Boopmque asoman de un jarrón típico de casa de la abuela. Esta joven artista cuenta a día de hoy con una consolidada carrera tanto en festivales de murales como en galerías y ferias internacionales de arte, destacando su participación en la exposición DUO de STRAAT Museum. .

Nacido en Chambery y actualmente residiendo en diferentes lugares de Francia, este artista es conocido por devolver la vida a antiguos edificios abandonados con sus fantasmagóricas figuras. Fuertemente atraído por el aura del pasado, La Rouille se inspira en el dolor presente en la historia, donde el pasado y el paso del tiempo se unen con la fisicidad en la memoria, que tan sutilmente traslada este artista a sus diferentes trabajos, tanto murales como de taller. Sus siluetas cobran vida por un instante, resonando con sus propios fantasmas que se esconden en su interior y en el de los edificios y muros que con su pintura revive.. .

Lucia Lamata es una fotógrafa y directora creativa que encuentra en la imagen su lenguaje para contar historias genuinas. Especializada en fotografía de autor y retrato, lleva más de 10 años en el mundo audiovisual, transformando lo cotidiano en arte, a través de su intuición y su capacidad para comprender a quienes la rodean. Tras cinco años en Barcelona regresó a Madrid en 2022 y fundó Club Lamata, que luego pasó a ser The Club House Madrid, un lugar que combina plató, talleres y exposiciones, generando un diálogo entre artistas emergentes y consolidados. Paralelamente lanzó su propio colectivo audiovisual, desde donde explora el mundo de la dirección de vídeo. Sus trabajos no se dispuestos en España, Reino Unido, Italia, Japón y EEUU, reflejando su capacidad para conectar con audiencias diversas a través de la autenticidad de ser .

Marco Prieto Sánchez, también conocido como Sr. Gotta es conocido por su genuina técnica pictórica, consistente en crear sus titánicos personajes pintándolos a base de hostias, golpeando el pincel contra el lienzo. En su búsqueda por crear algo nuevo cuando parecía que ya estaba todo inventado, este artista combina el impulsivo gesto del expresionismo con la fría precisión de un golpe certero para hablarnos de cómo la violencia puede organizarse para crear; en palabras de Walter Benjamin, el carácter destructor abre caminos. Además del componente estético, esta técnica refleja todo su discurso entorno a la violencia organizada, a través del cual el artista nos habla de cómo la violencia no es algo malo per se, sino que es parte del ser humano y que lo que debemos hacer es ordenarla para dar el golpe certero que saque de esta algo bello. Tras licenciarse en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid (2014) Marco Prieto cofunda y dirige desde 2016 Espacio PROA, combinando la gestión cultural con su formación artística gracias a residencias artísticas en lugares como Espacio Matrioska, A Quemarropa o Art House Holland. Ha participado en más de una treintena de exposiciones en ciudades como La Habana (Academia Nacional de Bellas Artes de San Alejandro, 2014), Zurich (Art International Zurich, 2021) o Chicago (Truborn Gallery, 2023). El año pasado tuvo su cuarta exposición individual en la capital madrileña en la Galería Modus Operandi con Facta, non verba, exposición y trabajos con los que Marco hace un alegato, hablando ya no se entiende la gente, por eso su obra llena de hechos las paredes para poner ante el espectador la verdad innegable del poder que tiene la violencia cuando es organizada. Se estrenó en 95 con URBE, una exposición en dúo con Sfhir que se presentó en JustMad a la vez que en la galería. Después, fue nuestro solo show en la Feria Marte de Castellón, donde obtuvo el Premio Adquisición de la feria con El auténtico sacrificio, además de hacer prácticamente sold out. .

Nacida en Sevilla, actualmente afincada en Granada (España), ciudad donde se graduó en Bellas Artes. Se dedica profesionalmente al arte urbano, concretamente al arte mural y al tatuaje. Durante décadas, ha mantenido un continuo vínculo con la cultura Hip-hop, siendo en 2016 cuando su trayectoria se vuelca de forma total a ambas disciplinas, la música y la pintura. En su obra plástica, la lata de spray toma protagonismo junto al color, siendo la técnica a la que da uso por excelencia. Sus obras reflejan inquietudes tanto internas como de actualidad, vinculadas a menudo con la figura y el empoderamiento femenino. Estas obras son fruto de vivencias e influencias que ha ido adquiriendo por el mundo, ya que desde 2019 ha llevado una trayectoria prácticamente nómada. Ha realizado numerosas pinturas a nivel nacional e internacional, pasando por Suiza, Italia, Finlandia, Polonia, Chile, México, Perú y EEUU entre otras. Actualmente es miembro de la crew internacional LJDA y de dos grupos femeninos, el internacional WN1 y el grupo nacional Brevas Bravas Crew, todos vinculados con la cultura Hiphop. María ha sido finalista dos años consecutivos en la liga nacional de graffiti, nominada para el mejor mural de 2023 por Street Art Cities con la obra Open Eyes producida con Rampa Pro y nominada a mejor Writer de 2024 por IM RAP. .

Nace en Valencia donde se inicia en la pintura con el graffiti en lugares abandonados, descubriendo su pasión por el arte de la que hará profesión. Estudió diseño gráfico y comenzó a desarrollar su obra mientras trabajaba como freelance, tanto en la creación de murales como en proyectos de ilustración. Sus viajes le han llevado a pintar en todos los continentes, contribuyendo a ampliar su perspectiva artística. Como ilustrador, ha colaborado en proyectos con Harto Arte (México), Paria (Alemania) y Sense Art (China), entre otros. Su trabajo se caracteriza por el uso de ilustraciones vectoriales y colores planos, plasmando una amplia gama de escenas y sensaciones inspiradas en su experiencia como artista urbano. Estas influencias se reflejan en su distintivo repertorio de personajes, reconocibles por sus formas redondeadas y ojos expresivos. «En mi universo creativo, donde confluyen la naturaleza y el entorno urbano, busco transportar al espectador a un mundo único y desconocido. Mi motivación surge de la conexión entre la ciudad y el arte». En su obra, Mentalink explora constantemente nuevas fronteras narrativas, técnicas, materiales, así como herramientas que permitan que su arte interactúe de formas innovadoras con quienes lo observan. Hoy en día se dedica a la creación y pintura de murales, ilustraciones y también 3D, asumiendo cada nuevo proyecto como una oportunidad y un desafío para superar sus propios límites, reflejando así su pasión por el arte y su deseo de compartir su visión con el mundo. .

«En evolución permanente. Centro mi trabajo en el cambio que se produce de manera constante no solo en el desarrollo de las diferentes técnicas utilizadas en mi obra, si no en el cambio físico y mental que experimento como persona y como artista a lo largo del camino. Intentó extrapolar esa profunda metamorfosis a la posible lectura del espectador frente a la obra más allá del color y la forma.» Además de su trabajo en el estudio, Mho ha encontrado una fascinante oportunidad de expresión en el mundo del arte urbano. Esta forma de arte callejero le brinda una conexión única con el público, permitiéndole establecer un diálogo directo y sincero con la gente en su entorno cotidiano. Cada intervención urbana es una conversación visual, una forma de comunicación que trasciende las barreras del lenguaje y se conecta con las experiencias compartidas de la comunidad. Como miembro activo de diversos colectivos y movimientos artísticos tanto a nivel nacional como internacional, Mho Dueñas se encuentra en constante colaboración y aprendizaje. Su participación en estas redes le permite no solo compartir su propio arte, sino también nutrirse de la creatividad y la diversidad de perspectivas de otros artistas. En este intercambio dinámico, encuentra inspiración, apoyo y un sentido de pertenencia en una comunidad global de mentes creativas. .

Manuel Delgado Díaz (1993), alias Murfin, es un artista plástico, ilustrador, y muralista. Nacido en Linares y reconocido con el premio Andalucía Joven 2020 por su destacada 95 labor de promoción de la Comunidad Autónoma. Este artista continúa con el legado del surrealismo, llevando consigo la antorcha de esta vanguardia artística para ofrecernos coloridos mundos en los que escapar de la gris realidad. Inspirado por el manifiesto surrea- lista de André Breton, ha tejido una narrativa artística que desafía las barreras de la reali- dad convencional, sumergiéndonos en un viaje de color, paisajes, animales y personajes fantásticos en los que evadirnos de la realidad mundana.La trayectoria de Murfin va de los grandes murales a las galerías, pasando por trabajos para marcas como Pepe Jeans o Nike, con una trayectoria expositiva muy reconocida a nivel internacional, destacando entre otras la Galería Future Space en Singapur. .

Nacido y radicado en Madrid, tiene sin embargo sus raíces en el graffiti en la vibrante escena alicantina, donde comenzó a coger el spray a la temprana edad de 9 años. Tras finalizar sus estudios ❘ de diseño gráfico, Pablo fusionó su amor por el graffiti con una nueva pasión por la ilustración digital. Su trabajo destaca por su estilo simple pero impactante, caracterizado por una paleta de colores sobria que evoca la nostalgia de la era digital temprana, inspirándose en las icónicas pantallas azules de Windows, los vibrantes tonos fluorescentes y la estética pixelada de los videojuegos clásicos, creando así un puente entre lo viejo y lo nuevo. Para Pablo Hablo, la dificultad de establecer conexiones genuinas y conversaciones cara a cara en entornos públicos es cada vez más evidente. Inspirándose en la estética post-punk, utiliza el retrofuturismo para crear obras que evocan cierta nostalgia por la era analógica. Con una habilidad única, transforma recursos digitales a formato analógico a través de la pintura, sacando el mundo digital de la pantalla al presente tangible de la vida real. Así, Hablo cuenta historias cotidianas a través de retratos pixelados que capturan la esencia de las personas, apoyándose en el simbolismo de la era analógica. Un viaje nostálgico al pasado, con un toque de futurismo y tecnología utilizada de forma inteligente y responsable, celebrando el pasado a la vez que nos invita a reflexionar sobre cómo la tecnología puede integrarse conscientemente en nuestras vidas. .

Estudió Bellas Artes especializándose en dibujo, pintura y fotografía, explorando a su vez diferentes formas de expresión creativa. Esto le llevó a investigar más allá de lo analógico, cursando un máster en diseño web y gráfico, con el objetivo de mezclar la estética tradicional con la tecnología digital. La obra de Paula que forma parte de la exposición es un gran ejemplo de esa inquietud e incesable búsqueda por encontrar nuevas formas de hacer arte, esta vez en una tabla de skate. .

Que Onda Kan es un colectivo artístico fundado por dos hermanos argentinos que se trasladaron a Barcelona. Posteriormente, dos compañeros más se unieron al colectivo, ampliando su visión y alcance. El colectivo ha participado en diversos eventos de arte urbano, destacando su participación en Pinta Malasaña 2021, donde su obra fue galardonada. .

Parte de la observación del paisaje cercano y de los cambios que la ingeniería agrónoma y los cultivos intensivos están generando en el campo, reflexionando sobre cómo los ritmos alcanzan niveles de ordenación rigurosamente geométricos para minimizar los costes de producción y la mano de obra. Partiendo de esta premisa, emplea recursos formales y rítmicos producidos por la distribución que el ser humano, la maquinaria agrícola y la tecnología ejercen sobre el terreno para su explotación, generando territorios desnaturalizados. El cuadrado, el círculo, el hexágono, líneas curvas y rectas son algunos de los recursos utilizados en sus obras por Rafael Blanco, destacando la triangulación, a través de la cual incorpora varias capas de significado que le sirven como enlace entre varios conceptos. La triangulación es un método de medición tradicional que se remonta a la época egipcia, utilizado en la contemporaneidad por programas informáticos de topografía para digitalizar el territorio. En esta unión entre lo tradicional y lo tecnológico, Blanco intenta encontrar un equilibrio entre las dos realidades. Por otro lado, que una serie de puntos aislados se unan mediante líneas generando una trama que se convierte en un todo, nos acerca a la manera de vivir la ruralidad desde el aislamiento, reflexionando sobre cómo los nuevos métodos de comunicación e información combaten estos aislamientos poco a poco en la red. El color también tiene varios componentes significativos, aquí los colores primarios cian, magenta y amarillo utilizados en las mezclas sustantivas de las impresiones digitales, le acercan de nuevo al uso tradicional y tecnológico, en este caso de la pintura. El blanco y negro junto a la gama de grises añaden un significado filosófico en torno a la dicotomía del pensamiento occidental, generando alternativas y posibilidades para una visión más personal y critica del paisaje, la realidad y el arte. .

Artista madrileña nacida en 1998. Obtuvo el grado en Bellas Artes por la Universidad RJC en 2020 y el máster en Prácticas Artísticas Contemporáneas, a través de la misma institución, en 2022. A lo largo de su trayectoria profesional, la obra de Raquel ha estado representada en numerosas ocasiones, en diversos formatos y en diferentes lugares de nuestra geografía. Por otro lado, destacar su participación en Ferias de reconocimiento internacional como BADA, celebrada en Madrid en 2022 en la que fue artista invitada por Muestra t, con motivo del festival cultural de MADO. Al mismo tiempo, y debido a su faceta como muralista, son varios los murales que ha desarrollado en torno a su ciudad y fuera de esta como su último mural en el Festival Rampa. La práctica de la artista se focaliza en la pintura, la cual está fuertemente influenciada por la cultura urbana y el mural. A través de una manipulación pictórica de imágenes preexistentes, logra otorgarles nuevos significados, dotándolas de una identidad renovada dentro de su obra. En este proceso, Raquel destaca la idea de la extinción de los espacios privados en entornos urbanos, instando a reflexionar sobre la necesidad de arraigar nuevas conexiones en el mundo contemporáneo. Su trabajo se convierte así en una invitación a sembrar nuevas raíces en los paisajes corporales de la sociedad actual. .

Rodrigo es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid en la especialidad de escultura, departamento en el que luego ha sido profesor. «El mono somos nosotros», como habréis visto los monos le flipan a nuestro artista Rodrigo Romero que utiliza a este animal del que venimos para reflexionar sobre nosotros mismos: «Me permite hablar de cosas desde otro acercamiento al espectador, distinto a si fueran personas (…)La Pérdida, por ejemplo, es una obra que creo que no podría afrontar si fuesen humanos. El mono me permite distancia, una distancia que para mí no está pero es una distancia. Los falsos espejos como este simbolizan la reflexión sobre quién es el otro, cuando en realidad el otro somos nosotros mismos y cómo lo afrontamos, cómo nos enfrentamos a ellos, cómo tenemos nuestros recelos, similitudes, nuestros miedos. .

Ernesto Fernández, conocido artísticamente como «Rubiknes», es un artista reconocido por crear impresionantes mosaicos utilizando cubos de Rubik. Su habilidad para transformar este popular rompecabezas en obras de arte únicas le ha valido el título de Embajador de la Marca Rubik. Recientemente, Rubiknes participó en una exposición en la 95 Art Gallery de Madrid, donde presentó su obra «León», un detallado mosaico que destaca por su complejidad y precisión. Esta pieza fue destacada en la cuenta de Instagram de Tomás Carrascal, quien compartió imágenes detalladas de la obra durante la exhibición. La participación de Rubiknes en la 95 Art Gallery y su presencia en plataformas digitales reflejan 549) compromiso por innovar en el arte contemporáneo, utilizando elementos cotidianos como los cubos de Rubik para crear piezas de gran impacto visual. .

Ruinero – KORS son escritores españoles con una trayectoria de alrededor de 18 años, integrantes del grupo Ron’s (Remember Our Names), caracterizados por un estilo simple y legible con la idea de que se recuerden sus nombres. .

Comenzó a pintar en la calle con 16 años, siendo su primer recuerdo pintando ❝un tren mañanero en el salto de Pitis», según cuenta en una entrevista. En este tiempo Sabek ha logrado generar un estilo propio y fácilmente reconocible a través de su obra figurativa de colores planos, donde el gran protagonista es irónicamente el negro, la ausencia de color. Felinos grandes y pequeños, serpientes, aves rapaces o como en este caso el lobo son algunos de sus personajes fetiches, que retrata a modo de reflexión en torno al ser humano y nuestra relación con la naturaleza. Una dicotomía entre el poder y la fuerza, la energía y el dinamismo en la búsqueda de perfección. Sin centrarse en un simbolismo concreto sino más bien creándolo, sus figuras se presentan como un spirit animal cargado de majestuosidad que sobrecogen al espectador, inspirado por la naturaleza y su transformación al estilo contemporáneo. Estas fieras pueden verse en grandes muros que ha pintado en numerosos países como Brasil, Argentina, Estados Unidos, Noruega o Rusia, bien a través de sus cuadros o bien mediante la cerámica, una nueva pasión que también trabaja en ese icónico negro que ha sabido hacer suyo. Ambicioso como sus animales esperando a la presa, Sabek, además de participar en numerosos festivales de mural también es parte de grandes colecciones, como la de la Fundación María Cristina Masaveu Peterson. Con una prometedora trayectoria que no cesa, el artista cuenta actualmente con una expo individual en Japón en la Marco Gallery de Osaka, otra en la ABV Gallery de Atlanta (Georgia, EEUU) y por supuesto en la 95. .

Sfhir descubre el grafiti con 13 años en unas vacaciones, quedando completamente fascinado, I desarrollando esta pasión hasta hacerla profesión. A mediados de los 90 un profesor de fotografía le da un libro del grafiti neoyorkino en los 70-80, donde conoce la obra de artistas como ZEPHYR • LEE QUIÑONES, cambiando su forma de ver el arte urbano. Desde entonces, Sfhir comienza a desarrollar una visión artística, así como un estilo y | filosofía propios que le acompañan hasta hoy, proponiéndose embellecer lugares más allá de imponer una estética. Un autodidacta que combina la investigación técnica con la cultural, yendo al Prado a empaparse de historia y al taller a crear su versión de los hechos. Así, Sfhir combina la pintura y la escultura de taller con el muralismo, con reconocimientos que van desde su participación como artista invitado en la Gala RAC de 2013 en el Museo Reina Sofía, hasta el pasado mes de febrero cuando uno de sus murales fue declarado el mejor del mundo en 2023. Compaginando ambas vertientes, el mural y la obra de taller, Sfhir no ha dejado de investigar diferentes técnicas y formas de hacer, una incesante exploración que seguramente se debe a una frase que leyó en un tren neoyorquino hace años y que le acompaña desde entonces: «solo sé que no puedo parar». .

Sigrid Amores nació en Granollers en 1989 y creció en el barrio de Bellavista (Tarragona), en Les Franqueses del Vallès, en el seno de una familia obrera. Sus raíces están marcadas por la migración de sus abuelos desde Extremadura en la década de 1950, un trasfondo que ha influido profundamente en su sensibilidad artística. Su interés por el arte comenzó en la infancia, cuando su padre, en sus ratos libres, le enseñaba a dibujar, un temprano vínculo con la creatividad que marcó el inicio de su camino artístico. Se formó en artes aplicadas al muro en la Escuela de Arte de Vic y posteriormente en La Massana, Barcelona. Actualmente trabaja como profesora en enseñanzas artísticas, compaginando su vocación educativa con su labor como pintora. Los temas que atraviesan su obra están profundamente arraigados en la cotidianidad y la intimidad, explorando lo costumbrista con un enfoque emocional. Sus pinturas abordan la búsqueda de luz a través de la oscuridad, conectando lo espiritual y lo mundano en una narrativa que une sombras y esperanza. La mezcla de lo íntimo y lo trascendental es el eje de su trabajo, invitando al espectador a reflexionar sobre sentimientos universales a través de escenas aparentemente sencillas. «Es un viaje hacia los rincones más profundos del alma, un homenaje al dolor y al desgarro que se esconde en la cotidianidad. A través de una pintura que mezcla costumbrismo y emoción, ofrezco un billete de ida y vuelta a los recovecos más oscuros del ser humano, donde la luz solo se encuentra atravesando las sombras. Mi inspiración nace de la realidad que me rodea: las calles, los barrios, los sentimientos y vivencias de la clase baja. Son esas historias silenciosas y, a menudo invisibles, las que me impulsan a pintar. El costumbrismo es mi lenguaje, y el dolor cotidiano, mi musa. Cada trazo me conecta con una emoción universal que busca ser compartida. Mi intención es que el público no sólo observe, sino que sienta profundamente, que cada obra sea un espejo en el que puedan ver reflejados sus propios recuerdos y emociones». .

Nació en el barrio de las letras en el corazón de Madrid hace ya cuatro décadas, en un entorno urbano, donde las calles estaban llenas de vida, pero también de desafíos. Desde pequeño se sintió atraído por todo aquello que tuviera que ver con crear cosas con sus propias manos, pintar, manualidades, diseños y todo aquello que tuviera un poquito de creatividad, cuando tenía 11 años, se fue a vivir a Hortaleza y un día vio dos graffitis nuevos en el camino del colegio a casa se sintió especialmente atraído, ya que para él fue como ver una forma de expresión sin límites. Sin embargo, no fue hasta su adolescencia cuando empezó a documentarse bien sobre el tema y vio que los orígenes fueron las calles y sobre los metros de Nueva York. En ese momento entendió que el graffiti era más que una simple pintura, era una forma nueva y original de comunicar ideas y emociones y decidió aventurarse y pintar trenes y metros. Convertía cada modelo de tren en un nuevo lienzo en movimiento que llevaba su pieza a diferentes lugares y personas, cada tren y cada vagón que decoraba, le ofrecía la oportunidad de contar historias, convirtiéndose en parte del movimiento más grande y se fronteras .

César de Fernando Bravo, más conocido como Soen, nació en Madrid, en 1987. A partir del año 2000 comienza a pintar graffiti, el cual le proporciona experiencia en la técnica de la pintura a spray y amplía el campo de la creación artística. Sus estudios artísticos formales son sus dos años de I Bachillerato Artístico en la Escuela de Arte número 3 de Madrid. Desde entonces, son numerosos los trabajos artísticos que ha hecho de pequeño y gran formato, tanto obra de estudio como mulares de gran tamaño, exponiendo y pintando por diferentes países. En ambos soportes, Soen ha desarrollado a lo largo de estas décadas un estilo personal de pintura caracterizado por la mezcla de la descomposición de elementos figurativos, con formas y letras superpuestas de su estilo de graffiti, uniendo todo esto con formas inacabadas y algunas pinceladas desenfadadas. El artista se considera versátil en cuanto a las temáticas de sus obras. En algunas, pretende transmitir un mensaje de denuncia social, política y económica tratando de crear un debate entre lo legal y lo moral, por ejemplo en su obra Dispensarios Preciados, donde el objeto de alarma antirrobo de los clásicos DVD encierra la obra del artista. A su vez y bajo esta crítica y rebeldía flagrantes, en otras pinturas podemos ver a un Soen más intimista y tierno, inspirado por vivencias personales, así como por temas de carácter histórico y costumbrista. .

La distorsión de la imagen a través de ese llamado ojo de pez caracteriza la obra de Spok, habiendo hecho de esta distorsión su marca personal. Un hiperrealismo que se muestra distorsionado por la contemporaneidad.El andén de diferentes metros o las calles abarrotadas de carteles y neones son algunos de sus escenarios favoritos, sin embargo, este artista cuenta con numerosos trabajos, cada cual más hiperrealista que el anterior y si embargo todos con esa sensación de imposible. Spok Brillo es uno de los pioneros del graffiti madrileño, práctica que compagina con su trabajo de taller y que expone en ciudades de todo el globo. Trampantojos arquitectónicos a lo Escher, la imagen que nos devuelve el espejo convexo del metro o las ajetreadas calles de las metrópolis actuales son la visión de una realidad fantástica que este artista capta con destreza en sus obras. .

La pintura en movimiento, entendida como gesto y huella del cuerpo es la esencia del trabajo de SUSO33. Máximo exponente del live painting en España, figura internacional pionero del graffiti, street art y arte urbano desde el año 1984, lleva cuatro décadas experimentando con pintura de acción, muralismo, happenings, instalaciones, escenografías, videoarte y en la investigación de las nuevas tecnologías. Ganador del primer International Urban Art Festival hace más de 20 años, co-protagonista en el último film documental «Las Paredes Hablan» del desaparecido director de cine español Carlos Saura, ha sido invitado por La Fura dels Baus para inaugurar junto a ellos el mítico Festival Cervantino de México. También ha participado en La Bienal de La Habana, y ha sido nominado al prestigioso Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura, entre otros. Añade además de todo esto, su labor de comisario de reconocimiento internacional, comenzando en el año 1997 con la primera muestra de arte urbano Europeo auspiciada por la Comunidad Europea llevada a cabo en varios países. Comisarió la primera gran exposición sobre la historia del arte urbano en España «Arte Urbano…? La ciudad como escenario». Su último exitoso proyecto como comisario ha sido recientemente en el museo de los astilleros de Ámsterdam, «DUO: Beyond two visions», concebida por Santiago Herrero Amigo y SUSO33 e inaugurado el pasado mes de abril por SSMM los Reyes Felipe VI y Letizia, junto a SSMM los Reyes Guillermo y Máxima de Holanda. Como reconocimiento a su extensa y prolífica carrera sus murales realizados desde los años 80 en Madrid han sido declarados como Bien de Interés Cultural hace apenas unas semanas. Ambientes efímeros, en la calle o en la naturaleza, homenajean la memoria de los espacios y sus habitantes. La luz es protagonista, sea al aire libre (valorando los condicionantes naturales) o en el escenario, usando nuevas tecnologías. Alejado de las especulaciones teóricas, su trabajo «atraviesa el cuerpo». Crítico con la deshumanización de la sociedad, sus últimas obras ahondan en la vía espiritual. .

Tania Moya Jimenez (Tamoji) nació en Valencia, en octubre de 1982. Apuntaba maneras cuando, al poco de empezar a andar, realizó una intervención artística por las paredes del pasillo con un bote de mercromina. Estudió Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia y desde entonces ha seguido desarrollando sus facetas artísticas en el dibujo, la escultura, el mural y el tatuaje. Desde los 2000 ha pintado más de 60 muros y participado en diferentes exposiciones. En continua evolución, el azar juega un papel importante en el proceso de creación y los imprevistos suelen ser bien recibidos. Gran parte de su obra gira en torno a un mundo onírico en el que cualquier desecho cobra sentido. .

Pájaros, pieles, flores, son algunos de los elementos centrales en la obra de Taquen, una obra que desarrolla con un estilo propio basado en el uso de la línea para delimitar los campos de color que dan vida a sus figuras. Nacido en A Coruña, graduado en Bellas Artes por la UCM y con estudio en el madrileño barrio de Tetuán, este artista lleva desde 2016 recorriendo el mundo gracias a su obra. Desde España hasta Nepal, los pájaros de Taquen migran por los continentes en busca de nuevos mundos. Entre sus trabajos recientes destaca la resi- dencia y proyecto artístico con Nuevo Mural en Cotacachi (Ecuador, 2024) o su participación en el New Forms Festival de Sochi (Rusia, 2024), así como su reciente participación en JUSTMAD (2024) «Movement, changes and collaborative process. Urban art as a tool for positive transformation. Nature, minimalism, respect and responsibility.» – Taquen .

Camilo THEIC es un artista uruguayo afincado en Lisboa que desde 2008 se dedica al mundo del arte, destacando desde temprano en el dibujo, la pintura, la escultura y el mural. Junto con la artista Florencia Duran formaron el colectivo Licuado en 2010, especializado en los murales de gran formato de estilo figurativo, ambos participando en numerosos festivales de murales durante más de diez años. La obra de THEIC siempre ha tenido como protagonista la figura humana, tomando de la mitología y el arte helenístico y neoclásico la forma de representar al ser. Jugando con el color, la luz, la composición y nuevos enfoques THEIC contemporaneiza esta visión antropomórfica para desafiar nuestros sentidos con sus dibujos y pinturas que retratan personajes anónimos que ilustran nuestra era, en un desenfoque propio de la imagen fotográfica. .

Nace en Toledo, donde comienza a indagar en el mundo del graffiti allá por 1991, guiado por la necesidad de expresarse y cambiar los muros grises que nos inundan en nuestra vida diaria, buscando dar color y armonía los diferentes lugares para hacer de la calle un museo. Un aprendizaje autodidacta en la calle que combina con la educación formal en Escuela Superior de Dibujo Profesional (ESDIP) y en la Escuela Oficial de Maestros Tatuadores y Piercers (EOMPT), tocando todos los palos de lo que hoy se considera urbano. Desde los 2000, WESL ha participado en numerosos festivales de mural nacionales e internacionales como Meeting of Styles (Alemania, España), Upfest (Inglaterra), Yard5 (Berlin), así como en distintas ferias de arte como recientemente en la Urban Art Fair París (2023 y 2024). Una obra abstracta pero minuciosa, que se aleja de la reproducción de cualquier realidad para generar con el spray nuevos universos y formas de color que flotan en el espacio, creando una identidad artística propia reconocible a simple vista. .

Pablo Herrero, Zeta, nace en España en abril de 1970. Ya desde su infancia despunta por sus aptitudes plásticas y comienza su aprendizaje desde muy joven en diferentes escuelas de arte y pintura, tanto públicas como privadas. A mediados de los 80 es cuando conoce el grafiti y empieza sus primeras obras en la calle, medio que utiliza como museo para desarrollarse como artista y darse a conocer en España y Europa. Junto con Muelle, Sfhir y Suso, fueron declarados BIC por la Presidenta de la Comunidad, incluyendo la cultura urbana al catálogo de Patrimonio Inmaterial. .